ALTEA_El Grito Contado

Exposición colectiva e interuniversitaria El Grito Contado.

el grito contado_altea
el grito contado

_comisarios Chiara carzan y Martillopis.

Exposició col·lectiva i interuniversitària El Grito Contado

Comissariada per Chiara Carzan i Martíllopis.

Després d’unes paraules introductores de la regidora  de cultura Na…. i amb l’acompanyament del gestor cultural Ignacio ?…, Elia Torrecilla i Bibiana de la Soledad donaren pas a la inauguració de esta exposició on la clau estava en que hi havia que descobrir el contingut de la mateixa amb l’ajuda del mòbil, doncs la sala estava totalment a fosques.

Els comissaris, Chiara Carzan i Martíllopis proposaren un repte: es tractava de contar un conte. Els artistes tenien que contar-nos un conte i els espectadors devien esbrinar o imaginarse’ls amb la ajuda de la llanterna. 

El fet de evitar la visibilitat obligava als espectador a interactuar amb les peces, a olorar-les, palpar-les y/o oir-les. Per que els contes se conten, s’escolten, van de boca en boca… i a la llum de la llar, en aquest cas de la tecnologia, de la llum dels mòbils.

El fet és que  vivim en un món digitalitzat, on les coses es converteixen en píxels, el rellotge, la ràdio, la llanterna, l’afinador, la lupa, la brúixola tot es resumeix en píxels, tot està en el mòbil, som , com diu Byung-Chul Han “phono sapiens”. El telèfon ha suprimit les coses, a més,  ja no som res sense telèfon, no podem viure sense telèfon, i eixa és la raó del perquè els comissaris van invitar a la gent a convertir el mòbil en llanterna, i seguir així el recorregut.

Va estar molt divertit, no sols el públic tenia que contar un conte si no que a  l’hora, farolejava, tocava, penetrava, capgirava el contingut de les propostes, a més a més, de manera atrevida produïren una performance, trencat, a petició de la artista Tham Casany, els gots que ella havia acuradament embalat en bosses de plàstic, provocant el pensament, també la rialla i sobretot, l’atreviment de esclafar un got contra terra, amb ràbia sí, però amb decisió.

I així vos contaria un munt d’anècdotes del que ahir va passar, però es millor que aneu a vorer-ho i contar-ho vosaltres mateix.

Per altra banda, vos convidem a la mediació artística a càrrec de Bibiana De la Soledad  i Amparo Alonso Sanz que  es realitzarà el proper divendres 25 de novembre; També animar-vos a participar en el taller que  “El colectivo de Artistas” de la Universitat Miguel Hernández de Altea realitzarà en la clausura de la exposició el 16 de novembre de 2022. Tots dos, els actes es materialitzaran a la sala Fundació Schlotter de Altea.

Sigueu tots benvinguts.

Att. Martíllopis_comissari

EL GRITO CONTADO

El Grito Contado

A primeros del 2019, como parte de las investigaciones llevadas a cabo en la  Universidad Politécnica de Valencia a la que, ya sea como profesores, investigadores o estudiantes, estábamos adscritos, se nos llamó para ocupar una sala de exposiciones; no había premisas, no había título y buscamos objetos en el fondo de nuestros sótanos para llenar las paredes y algunos espacios que allí fuimos descubriendo. De todo ello, en 2020, y (re)movidos por El Grito de Edward Munch salió nuestro propio grito: El Grito. Fue empezar a gritar y las propuestas iban tomando cuerpo, los artistas respondían colectivamente al reto que se les planteaba. Más tarde, en 2021, nace, desde un impulso más romanticista, el Grito Sublime. Para el 2022 nos hemos propuesto contar un cuento, El Grito Contado. Este grito nace de la interacción entre maestros y aprendices, del intercambio de recuerdos, historias, cuentos, que de boca en boca heredamos de nuestros antepasados.

Convencidas de que lo local actúa en lo global, nos dimos cuenta de la lectura poliédrica que se estaba llevando: y entonces, una historia se transformó en múltiples, diversas y heterodoxas microhistorias, tras las cuales, subyacen muchos gritos.

Esas voces, son las que queremos mostrar en esta exposición con el objetivo de pensar y contar mundos posibles donde el intercambio de conocimiento y experiencias genere más y más preguntas. 

Resaltar en este proyecto expositivo la idea de proyecto abierto, en estado de investigación y proceso, cuyas piezas a desarrollar se adecuarán al espacio expositivo, y en las que las lecturas llevadas a cabo se materializan en un conjunto de propuestas plásticas, multidisciplinares que van desde la performance a la instalación, tomando el espacio expositivo como un lienzo donde la individualidad del artista se fusione al colectivo. Asimismo, cada artista, aportará al grupo su propio grito, su llamada de atención hacia aquello que por descuido o por desorden hemos abandonado a su suerte y que tal vez debamos recuperar: el cuidado, el nosotrxs, nuestro entorno, lo que somos…, para de este modo, compartir con el público preguntas que en definitiva solo él, el/la espectador/participante, sabrá responder y tal vez gritar.

 Y así y no de otra manera, se materializa lo que sería la primera frase de este cuento, y que dice así: “Érase una vez”… El Grito Contado

En el proyecto El Grito Contado trabajamos con los conceptos: colectivo; local; investigación; medio ambiente; intergeneracional; Work in progres

Es un proyecto «contado» y redactado por el grupo de wasap «Conta’m un conte» y en especial por los comisarios Bibiana de la Soledad, Pepe Romero, Martíllopis, y la des-comisaria Elia Torrecilla desde la más profundad invisibilidad.

fotografía de Vicente Carrión

Fotografía de portada por Tham casany. Diseño del título por Arce:

EL GRITO propuesta inacabada

Una exposición desplazada.

GRITAR LA NADA

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1 . Introducción

En estos momentos tan singulares, NOS INTERESA MUCHO EL ESPACIO CREATIVO que se nos presenta ante la nada.

Ahora que, por la invasión del coronavirus, fuera de nuestro confinamiento, nada nos es permitido; nadie con quien charlar nada, con quien abrazarse; nada por actuar… Si no nos es permitido hablar, porqué no podemos gritar?

Ese vacío que se nos presenta es una oportunidad para, como hiciera Enrique Vila_Matas, escribir notas a pie de página. Olvidarnos de escribir el gran texto y simplemente apuntar esas pequeñas notas a modo de recordatorio, esas notas que encierran grandes ideas que nunca se desarrollan, esas notas inservibles, inútiles que desechamos incluso antes de terminar de pensarlas.

Ante la duda de que podamos realizar la exposición en Alboraia, pienso en voz alta la posibilidad de hacer un catálogo de la no exposicióno sí aquella se materializa, un epílogo a la misma. 

Creo que el aburrimiento es un lujo en esta sociedad donde lo que se busca es la cantidad. Ya lo hemos comentado muchas veces, lo que interesa son los números, el número concreto de amigos en Facebook o Instagram entre otros. 

El aburrimiento, a diferencia del ocio,  nos invita a ver las cosas desde otra perspectiva, nos invita adentrarnos en el detalle, a reflexionar y a salirnos de las redes cuotidianas o al menos la posibilidad de.

Pensar esa posibilidad de lo posible me parece interesante, como apunta Marina Garcés. 

2. Propuesta

No sé lo que pasará el 3 de abril, hoy, todo ha cambiado. Hoy, lo que teníamos previsto decir, de golpe, se queda en  el aire. Hay un nuevo personaje. Un nuevo espacio-tiempo para nosotros, para nuestro trabajo. Estamos aquí y ahora envueltos en un confinamiento. Aprovechemos esa oportunidad. 

Lo que buscábamos al hacer la exposición del GRITO era la creatividad, y en la misma línea os pido un nuevo esfuerzo ahora que el tiempo está en otra parte. Se trata de reinventar otra vez el cuadro de Munch, como si a este le hubieran recluido en casa, sin referente, sólo en su estudio..

MI idea es hacer un catálogo oficial con todos vosotros, o al menos con los que estéis interesados. Sería como la NO  EXPOSICIÓN o EL GRITO NO EXPUESTO,  O EL GRITO CONFINADO.

 Se trata de realizar vuestra obra en este confinamiento, con lo puesto, con los materiales que tenéis a  mano. Nos basta con un boceto, con una maqueta, con una idea escrita, con Nada. Eso sí, con la mirada en Munch. Mirar en profundidad ese cuadro, sus personajes, sus líneas, su entorno, sus colores y quizá la forma un tanto directa?/ amateur? de resolverlo. Estamos hablando e 1893, mucho antes de las vanguardias, mucho antes de la primera guerra mundial.

Con vuestras propuestas haríamos un catálogo peculiar, diferente, catalogar la idea, física, virtual o mental, algo que no se pudo exponer o mejor aún, ALGO NO PENSADO PARA EXPONER.

3. Para el catálogo os pido: que desarrolléis la idea a partir de ésta premisa ¿cómo pintaría, esculpiría, dibujaría, performaría, fotografiaría… Munch el cuadro del grito en caso de una catástrofe y recluido en su casa?

La idea ha de estar desarrollada y argumentada ( 1 folio a una cara) . Presentar un boceto, una maqueta o la obra terminada con fotografía de buena calidad.

Que nadie se agobie, es voluntario y tenemos tiempo, muchos días para concretarla. Más de lo que esperamos. Seguro que al final veréis la luz del túnel y se os ocurre una idea maravillosa para no exponer, pero para compartirla.

4. Epílogo

Os paso una reflexión de Byung-Chul Han, un filósofo que todos conocéis. Es un tanto polémica pues parece que propone el modelo asiático como paradigma a seguir, pero sin tener en cuenta que el problema comenzó all, ni el porqué.

 Bueno, una reflexión q nos invita a pensar.

https://elpais.com/ideas/2020-03-21/la-emergencia-viral-y-el-mundo-de-manana-byung-chul-han-el-filosofo-surcoreano-que-piensa-desde-berlin.html

La emergencia viral y el mundo de mañana. Byung-Chul Han, el filósofo surcoreano que piensa desde Berlín

LA OTRA CARA · Project

La otra cara

En el proyecto La otra cara, una alternativa visual ese ha partido de los textos de algunos teóricos como Marina Garcés y M:A: Hernández Navarro , y apropiándonos de su análisis de la sociedad y en conceptos como la visibilidad, o la precariedad   hemos desarrollado un camino por donde comenzar a rastrear el arte.

Es ésta sociedad postmoderna la que nos empuja a una precariedad, que asumimos con cierto entusiasmo, y que soportamos compartiendo miles de fotos por las redes que nos permiten configurar un perfil sonriente, entusiasta, basado en los datos, en los likes, y en su cuantificación. 

Ante la inminente necesidad de mostrar nuestro perfil con miles de fotos instantáneas elegimos el juego de esconder lo visible  como otra posibilidad de mostrar el trabajo artístico. 

Pretendemos crear en el espectador dudas, quizá frustraciones, para que de alguna manera rasque la realidad que ve y vaya a la parte trasera para observar lo que los ojos no pueden apreciar.  Del mismo modo poner en pequeñas trabas a la institución, al no mostrar en sus salas lo que se espera sino la otra cara.En definitiva queremos mostrar de forma precaria otra mirada del objeto artístico

Escondemos el trabajo artístico para observar más allá de la pintura

ANTES DE AYER_un proyecto de comisario con Irene Covaleda & Colectiva

mi casa, mi hogar, mi infancia, mi antes de ayer

La relación con la artista Irene Covaleda fue una casualidad, provocada por las ganas de hacer cosas y un cierto contagio por escalar montañas.

Hablando por hablar comentamos la psosibilidad de exponer en BÉTERA, ella, sin pensarlo, aceptó y nos habló de su proyecto, el proyecto «ANTES DE AYER».

Pero ella no conocía la sala, no sabia que se iba a encontrar con esta maravillosa sala DE ANTES DE AYER.

Un espacio que en sí mismo nos introducía en tema:

Un espacio reciclado, un nuevo espacio creado, inventado, un espacio que nos cuenta UN VIAJE.

Al igual que su obra, este espacio es una especie de sobre, al que  le hubiésemos PEGADO UNOS SELLOS y nos hubiera llegado a casa para CONTARNOS SUS HISTORIAS.

Esta sala nos permite, SIN RENUNCIAR al PASADO, crear obra de hoy, obra contemporánea, post-contemporánea, realzando el camino hasta llegar ahí, AL FUTURO.

Porque el pasado, Irene Covaleda,  no lo toma desde la NOSTALGIA, sino como TRAMPOLÍN para  alcanzar otras metas.

SU OBRA ES UN trayecto , un recorrido, desde el verde propio de SU TERUEL natal, hasta la IDENTIDAD DEL BLANCO, un blanco lleno de matices y riquezas, de texturas, explorando otros límites, reflejos de su personalidad.

Irene covaleda , un viaje

Cuando aceptó que fueramos su comisario, pusimos una condición, que si bien era su exposición, tenia que dejar un espacio a lo colectivo y ella, desde su generosidad, lo asumió como propio.

Por eso en esta sala como preámbulo hay artistas emergentes como:  Arze, Delacage, Chiara Carzan,  Anna Lombardo.

Artistas consolidados como, Alejandro mañas y Cristian Gil.

Artistas fuera del ámbito de  bbaa… son los grandes conquistadores, son los eternos amateurs. Como:

Pepe Gimeno, Vicent Salvador y Paco Alcantud.

Cada uno de ellos ha hecho su propia lectura el proyecto antes de ayer.

Paco Alcantud nos ha traído UN PUENTE que nos une las experiencias vividas con un futuro imaginario, quizás extraño, pero siempre aventurero. Un puente que conecta los límites opuestos, que nos permite alcanzar la otra orilla.

Vicent SAlvador nos trae las palabras de un poeta, Josep Mº Ribelles,  un poeta que ya falleció pero que nos trasmite LA VIDA A LA QUE LA MUERTE esta atada. Como sus fotos, que nos muestra lo que ha sido, lo que en ese espació y en ese tiempo pasó y que ya no está.

Cristian Gil, desde el dolor, de la angustia y EL SUFRIMIENTO provocado por el  fallecimiento de un ser querido, encuentra la fuerza, el motivo para crear, pues la creatividad, lejos de la razón, expresa los sentimientos, nos abre otros caminos, OTRAS LECTURAS,

Otras LECTURAS, como la de LOS DOCE APÓSTOLES, de Delacage & Arze,  que sufrieron la ignominia, la infamia, el destierro, eran tratados como delincuentes y de esta manera se refleja en estos 12 PLATOS, ASUSTADOS, esperando que la luz no desaparezca, pues se han quedado solos. 

Y desde LA SOLEDAD de SAN IGNACIO de Loyola, Alejandro Mañas, nos invita , con la mano en el pecho, a luchar contra esa vida fácil, cómoda, terrenal, y a buscar la felicidad fuera de este mundo de placeres, y reemplazarlos por un futuro en el más allá, lejos de las calles, de las ALCANTARILLAS.

A través de estas, desde LA REJILLA,  otra artista, Chiara Carzan, nos invita a observar , ese pasado, quizá un pasado para olvidar, pero muchas de las veces, ese pasado que hemos echado por la borda sin a penas saborearlo.

Como cuando escuchamos  una canción de PAVAROTI al que hemos pasado de amarlo a odiarlo, o al menos eso parece decir la artista Anna Lombardo, porque su música nos trae ALGUNOS  recuerdos que queremos renegar, tachar, borrar, y que somos incapaces de destruir, pues al fin y al cabo, esos recuerdos de ANTES DE AYER son nuestros, son la clave de nuestra personalidad. Nuestra identidad

Por último, si observamos el cartel, una quimera del diseñador y artista Pepe Gimeno, podemos pensar que la exposición nos va a hablar del arte rupestre, de las  cavernas, al primitivismo, quizá como reflejo de una sociedad solitaria, violentada por las malas praxis consumistas que han abandonado la naturaleza y nos devuelven a un estado salvaje.

Vicent Salvador
Vicent Salvador
Alejandro Mañas
Arze & DelaCage
Arze & DelaCage
anna lombardo
Anna Lombardo

PROJECTO SABATES HABITADES

sabates habitades, el rol de la mujer

SABATES HABITADES es un proyecto de Isabel Martí Clara para el equipo made in Martíllopis.

Este se incluye en el proyecto “Rastro”  y es el resultado de un proceso pictórico en el que forma y contenido se integran para formar una única voz. 

En este políptico se ha querido plasmar la huella de algunas mujeres que, por su posición de mujer, quedan desdibujadas del mapa actual y para que, a través de las diferentes lecturas, no nos sean indiferentes, rememorando una y otra vez, nuevos hechos vividos.   

ptico sabates habitades II, nuevo proyecto de Isabel Martí para made in Martíllopis_2019

Se pretende, a partir de un objeto usado como pueda ser el zapato humano, reconstruir sus vivencias y aprovechar sus sinestesias que, a través de la vista, el tacto, el olor  o el sabor,  puedan describir a quien lo habitó, la sociedad que lo parió, dejando espacios vacíos, sombras y manchas difusas -memoria de historias-, dando pie a que sea el espectador quien reinterprete o recree sus propias narración sacándolas del olvido.

La memoria de estas fotos trasferidas, lejos de la nostalgia, no lleva una única dirección, no habla de un pasado nostálgico que haya que poner sobre la mesa para descifrar un mensaje, tal vez único, por el contrario, se pretende destapar nuevos límites y dejar que sea la imaginación del “otrx” quien le dé significado y así evitar influir en su mirada. Son muchas las experiencias vividas como para enmarcarlas en unas pocas palabras.

A la vez,  como apunta Iván de la Nuez, el objeto, la cosa, a dado paso a la causa, y ello nos abre otras puertas para desarrollar un trabajo creativo. Nos permite, a partir de un zapato usado, reconocer el espacio femenino, su rol, al que muchas de las veces le es impuesto, tanto si usa tacón, como zapatillas. 

Para ello pensamos que tanto forma como contenido han de estar de la mano. Así, en cada lienzo de estas piezas vamos añadiendo capa sobre capa para ir descubriendo nuevos horizontes, nuevas aventuras, entremezclando el pasado con los deseos. 

En el fondo de todas ellas subyace la figura de un objeto, a veces olvidado, otras invisible, un zapato habitado,  una vida vivida, caminos y rastros discurridos de una y de tantas mujeres que nos acompañan y que en cierta manera describen su entorno. 

Por otro lado la elección de un políptico detalla el modo en que vamos narrando nuestras vivencias y que, a la vez, reconstruye como en un puzle esos recuerdos que cada cual  guarda con su propia llave y que al estar abierto al público comparte con el resto.

SABATES HABITADES, es un relato SOCIOLÓGICO, en tanto que describe la sociedad del momento; SENSITIVO, pues las sinestesias que ellos provocan afloran la memoria; y PERSONAL, en tanto cada uno de ellos narra una vida vivida, una identidad. Pero sobre todo es un trabajo SOCIAL, que apela a construir, paso a paso, como un políptico, nuevas formas de convivencia, lejos del raciocinio absoluto, único, del poder patriarcal.

SIN TÍTULO, una nueva experiencia

Sin título

una exposición alternativa.

PROJECTE SIN TÍTULO
exposición alternativa

La tarde empezó con una arenga, se invitó al público a desplazarse por la sala en una gran procesión, susurrando en voz baja una frase de David Pérez: EMPEZAMOS COMO  NUNCA Y ACABAMOS COMO SIEMPRE». Se trataba de interiorizar y reflexionar sobre aquellas intenciones, tantas, que como promesas electorales, nos hacemos cada día para cambiar un mundo que avanza hacia lo desconocido, un mundo digital y mecanizado, re-creado  SÓLO para lo productivo, evitando «lo otro» al otro, excluyendo las minorias y poniendo en crisis las relaciones humanas.

La tarde empezó con una arenga, se invitó al público a desplazarse por la sala en una gran procesión, susurrando en voz baja una frase de David Pérez: EMPEZAMOS COMO  NUNCA Y ACABAMOS COMO SIEMPRE”. Se trataba de interiorizar y reflexionar sobre aquellas intenciones, tantas, que como promesas, nos hacemos cada día para cambiar un mundo que avanza hacia lo desconocido, un mundo digital y mecanizado, re-creado  SÓLO para lo productivo, evitando “lo otro” al otro, excluyendo las minorías y poniendo en crisis las relaciones humanas.

Sin ser pesimistas, diría que avanzamos  hacia la catástrofe y a penas podremos elegir qué y dónde ir. No hay palabras que lo definan, no hay título que lo enmarque. Es el porqué de SIN TÍTULO. 

Con estas premisas y un halo de ilusión, se invita a los artistas a crear su obra, una obra que consta de un objeto, una imagen y una frase, donde cada uno de ellos se auto identifique.

Algunos eligieron sus recuerdos, sus memorias; un ser querido con quien conversar; otros optaron por el mar, su infinidad, y también su infancia, escuchándola a través de una caracola; quien quiso bajarse una escalera para subir y poder mirar que hay más allá de esa vorágine que nos atrapa; alguien se trajo un lápiz, para dibujar el sol, el mar, las estrellas y poder soñar y trazar un mundo más amable; montones de libros vacíos y pupitres rotos, una educación que no acaba de llegar, hogares olvidados; una historia rota, un pasado entre cajas de cartón; una madre, su alma. el dolor de la muerte y la esperanza, la vida y el color; el tiempo, el pasado y el presente, también un futuro mejor; la fragilidad, relatos que desaparecen, la soledad de lo otro; lo distinto, ¿quién llevará al diferente? ¿Quién gritara y se reivindicará? Reivindicar lo verde, la naturaleza, escoger, plantar y enviar una foto; una manta de la abuela que teje y teje historias de amor; una barra de labios para transmutarse y empezar la batalla con todas sus fuerza, su armadura, su coraje.

Sin ser pesimistas, diría que avanzamos  hacia la catátrofe y a penas podremos elegir qué y dónde ir.  Esta es la premisa que se les da a los artistas para componer la obra, una obra que consta de un objeto, una imagen y una frase, donde cada uno de ellos se autoidentifique.

Algunos eligieron sus recuerdos, sus memorias, un ser querido con quien conversar; otros optaron por el mar, escucharlo a través de una caracola; quien quiso bajarse una escalera para subir y poder mirar que hay más alla de esa voragine que nos atrapa; Otro se trajo un lápiz, para dibujar el sol, el mar, las estrellas y poder soñar en este mundo aciago.

Teresa Cháfer y Martillopis comisarios

M E R C A T · T A C R E M

EXPOSICIÓN COLECTIVA DE ALUMNOS FINAL DE GRADO

EN LA CASA DE CULTURA DE RAFELBUNYOL | 9 MAYO 2019

MERCAT tacrem
Exposición colectiva alumnos grado de BBAA en la casa de cultura de Rafelbunyol

La premisa de este proyecto nació a partir de la idea de bodegón, un tema que durante siglos los artistas han desarrollado como pretexto para desarrollar su singularidad artística lejos de las exigencias de los mecenas o artificies del mercado del arte.

La propuesta trataba de ir al mercado tradicional que todos los jueves sucede en Rafelbunyol, una pequeña localidad al norte de València, y comprar algo que sólo les costara un euro. El revuelo que supuso que treinta alumnos de final de grado de Bellas artes fueran preguntando  a los vendedores nómadas qué cosas podían comprar por un euro ya significó en sí, la primera obra artística del día, una performance involuntaria. La obra definitiva, consistió en crear un muro de cartón donde ir depositando las frutas, verduras y otros enseres que los alumnos habían comprando conformando una obra colectiva.

La sala se dividió en dos espacios. En el primero, vacío, solo se podía escuchar los murmullos de un día de mercado, en el otro espacio una gran escultura donde los artistas habían ido depositando sus compras, compras perecederas que con los días se irían descomponiendo y oxidando creando una obra inacaba.

Por último una proyección multi-pantalla mostraba la calle vacía, un espacio deshabitado, quizá lo que queda después del mercado, quizá una premonición, un final improvisado, un mercado sin futuro.

¿Porqué?

Vivimos en un mundo donde la tecnología e internet han invadido nuestro mercado, nuestra rutinas, cambiando todo el espectro laboral, sustituyendo a  corto plazo  la mano humana por la inteligencia artificial.

Por otra parte la compra masiva por internet ha crecido exponencialmente, algo que esta agitando todo el mercado del trabajo.

El hecho de comprar en el mercado popular, un mercado tradicional, se ha convertido en un nuevo espacio de ocio más que en una necesidad, aun así, es una apuesta por el trato personal, cara a cara  y aunque la globalización ha llegado con productos procedentes del mundo asiático en su mayoría, todavía se pueden encontrar productos “kilometro cero”. 

Este proyecto trata de mostrarnos ese mundo, casi en desuso y en proceso de desaparición. Por ello en sala se puede ver el espacio vacío que ocupa el mercado y a la vez escuchar sus sonidos, sus gritos, sus chácharas, su argot tan peculiar.

Esta muestra es una toma de conciencia, donde se relata lo cuotidiano, nuestro bodegón actual.

Una obra hecha con los parámetros e nuestro tiempo:

En un aquí y ahora para su rápido consumo; de manera efímera, liquida, perecedera, como  nuestras libertades, nuestras costumbres, nuestros logros; y por otro lado es una obra colectiva. Al apostar por lo común, en este mundo globalizado donde los individualismos y los nacionalismos extremos  acechan  nuestra sociedad de bienestar, se defiende lo nuestro, lo diario,  lo cercano, en definitiva  se busca un espacio  mas igualitario, paritario y justo.

Si bien  es un trabajo que nace en las aulas donde Natividad Navalón  y Teresa Cháfer imparten sus inapreciables lecciones, empujan y acompañas a estos jóvenes artistas, si bien la idea primera fue una propuesta de Martíllopis, los verdaderos artificies han sido los artistas participantes que con su imaginación y empeño han desarrollado una obra única en la que las principales guerreras han sido Chiara Carzan, Anna Lombardo y Helena Blankenstein, comisarias todas.

9 de mayo 2019 | Casa de cultura de Rafelbunyol